Возможно ты никогда не слышал имя Ричарда Гамильтона, но его работы ты точно знаешь.
Сегодня, 14 сентября 2011 Ричард Гамильтон умер.
Ричард Гамильтон был лидером британского поп-арта (Энди Уорхол был признанным авторитетом в этом направлении в США).
Гамильтон родился в Лондоне в 1922 году и стал посещать вечерние курсы изобразительных искусств, когда ему было всего 12 лет. В 14 лет возрасте он ушел из школы, чтобы зарабатывать на жизнь, но продолжал заниматься живописью и позднее стал студентом в Королевской академии изобразительных искусств, а уже после войны начал занятия в школе Слейд, одном из лучших художественных учебных заведений Великобритании. Был преподавателем прикладного рисунка в течение 13 лет в двух ведущих художественных училищах и в университете Ньюкасла. С 1964 года Гамильтон выставлял свои работы в Лондоне, Милане, Касселе, Нью-Йорке и Берлине и был удостоен двух важных премий.
Среди наиболее популярных его работ – обложка «Белого альбома» «The Beatles» и портрет британского премьера Тони Блэра в образе ковбоя. Также он работал над иллюстрациями к роману Джеймса Джойса «Улисс».
В 1970 году лондонская галерея Тейт устроила первую ретроспективную выставку творчества Гамильтона. Экспонировались 170 его произведений от тонко выполненных карандашных набросков к серии предполагавшихся иллюстраций кроману Джеймса Джойса «Улисс» (1949 г.) до последнего цикла под общим названием «Клише мод» (1969 г.). Эти двенадцать этюдов, основанные на изображениях популярных манекенщиц, были выполнены средствами коллажа, эмали и косметики на литографированной бумаге. Они были сдержанной пародией на стилизованное изображение молодых женщин — привлекательных, но недосягаемых, — которые типичны для некоторых рекламных объявлений. Гамильтон здесь ступает по очень рискованному пути между сатирическим отношением к своему материалу и слишком эмоциональной его трактовкой. Серия отличается смелостью декоративного рисунка.
Выставка продемонстрировала, что по мастерству, воображению и технической сноровке он является одним из самых интересных, разносторонних и совершенных художников современности. Его главная сила, пожалуй, состоит в сочетании богатейшего воображения с неиссякаемой изобретательностью и непрерывным экспериментированием. О глубоком интересе Гамильтона к сложной технике свидетельствуют его литографии. Он использует широкий ряд профессиональных технических средств для придания точных запоминающихся эффектов окончательному изображению; на всем лежит печать полностью контролируемых приемов. Гамильтон особенно интересуется фотографией, которая посредством кино, телевидения, газет и журналов очень сильно влияет на наше восприятие окружающей среды.
Художник часто сопровождал свои произведения и экспозиции философскими комментариями. В 1983 было опубликовано «Собрание изречений» (Collected Words) Гамильтона, в которое вошли его сочинения с 1953 по 1982 годы.
Ричард Гамильтон продолжал работать до самых последних дней. На 4-й Московской биеннале современного искусства, которая открывается 23 сентября, художник собирался представить специально созданную для нее работу.
Последним проектом Гамильтона была крупная музейная ретроспектива запланированная на 2013 и 2014 годы.
Ричард Гамильтон — определил поп-арт следующими словами: «популярный, недолговечный, преходящий, дешевый, массовый, молодой, остроумный, сексуальный, шуточный, шикарный и Большой Бизнес».
Ричард Гамильтон (англ. Richard William Hamilton; 24 февраля 1922, Лондон, Великобритания – 13 сентября 2011, Лондон, Великобритания ) – британский художник и коллажист, один из основателей художественного течения поп-арт. В своих работах, посвященных американскому обществу потребления, Гамильтон заложил основы поп-арта, определил его цели и идеалы. Родился в семье из рабочего класса, но с детства был увлечен рисованием. Уже в 12 лет начал посещать вечерние курсы, а в возрасте 16 лет был принят в Королевскую академию художеств. Обучение пришлось прервать из-за начала Второй Мировой войны. В начале 1950-х Гамильтон стал членом «Независимой группы» и познакомился с Эдуардо Паолоцци, который показал ему свои первые коллажи на основе рекламных объявлений из американских журналов. Из этих работ и начала зарождаться иконография поп-арта. Гамильтон преподавал в разных учебных заведениях Британии, в том числе и в Королевской академии.
Особенности творчества художника Ричарда Гамильтона: поп-арт был для него не столько художественным движением, сколько стилем жизни. Это означало полное погружение в поп-культуру: телевидение, кинематограф, журналы и музыку. Все эти элементы находили отражение в работах Гамильтона. В своих коллажах он использует вырезки из американских журналов, загромождая пространство настолько, что работа превращается в пародию. В поздние годы Гамильтон экспериментирует с новыми техниками, используя при создании своих произведений компьютеры и телевидение.
Уже в конце 1960-х поп-арт стал главным направлением в США. Его последователи воспроизводили в своих работах образы из комиксов, рекламы и СМИ и создавали портреты поп-звезд. Это направление — редкий случай в истории ХХ века, когда художники не объясняли свои работы с помощью философских конструкций, понять которые могли только избранные. Банка супа, Мерилин Монро, гамбургеры — сюжеты поп-артистов (то есть художников поп-арта) близки всем и не требуют особых объяснений. На первый взгляд.
Впрочем, прежде чем поп-арт признали настоящим искусством, на него обрушилось море нападок. Мы вспомнили главное, в чем его обвиняли, и встали на защиту.
Главный принцип поп-арта
Предметы изображения — это объекты повседневной жизни, образы рекламы и массовой культуры. Поп-арт разрушил представление об искусстве как о чем-то «высоком»: отныне оно могло черпать вдохновение откуда угодно.
Портреты Мерилин Монро от Энди Уорхола gettyimages.com
Так как художники в своих работах не просто использовали образы массовой культуры, а практически воспроизводили их без изменений, главным упреком со стороны адептов «высокого искусства» была неоригинальность.
Например, влиятельный критик-консерватор Хилтон Крамер считал, что по существу поп-арт ничем не отличается от искусства рекламы. По словам Крамера, оба этих явления преследуют цель «примирить нас с миром предметов потребления, банальностей и вульгарности».
В общем, такие обвинения кажутся обоснованными, ведь Рой Лихтенштейн копировал комиксы, а Уорхол — фотографии из газет. Правда, не так механически, как это могло показаться. В книге «Искусство с 1900 года: модернизм, антимодернизм, постмодернизм» рассказывается, что Лихтенштейн, например, выбирал одну или несколько картинок из комиксов, которые печатали в газетах, перерисовывал ее, затем проецировал свой рисунок (никогда не сам комикс) на холст, обводил проекцию и, наконец, заполнял ее цветами. Хотя работа Лихтенштейна могла показаться фабричным продуктом, на самом деле она представляла собой наложение механического репродуцирования (комикса), ручной работы (рисунка), снова механического репродуцирования (проекции) и снова ручной работы (раскраска). Другие художники действовали по сходной схеме, и в результате получался сплав живописи и фотографии, а не просто прямое заимствование.
Работы Роя Лихтенштейна «Обнаженная с бюстом» (слева) и «Девушки с пляжным мячом» (справа) в музее современного искусства в Париже, 2013 г.
Несмотря на это критикам казалось, что поп-артисты подрывают оппозиции, на которых основывалась живопись ХХ века: высокое/низкое, абстрактное/фигуративное, возвышенное/коммерческое.
Ричард Гамильтон — создал первую работу в стиле поп-арт — коллаж «Так что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» 1956 года. Он же дал первое определение стилю: «Поп-арт это: популярное, преходящее, расходное, недорогое, серийное, молодое, остроумное, сексуальное, бесполезное, гламурное, и Большой Бизнес».
Коллаж «Так что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» 1956 г. wikipedia.org
Рой Лихтенштейн — автор работ-комиксов, а потом — оммажей Пикассо, Ваг Гогу и Матиссу.
Энди Уорхол — первый художник-суперзвезда. Автор знаменитых «Банок супа Кэмпбелл» и разноцветных портретов Мерилин. В основном работал в технике шелкографии, в которой воспроизводил в том числе и фотографии из газет, посвященные катастрофам и смертям.
Роберт Раушенберг — автор «комбинированных картин», в которых живопись соединялась с объектами. Например, «Кровать» (1955) — это настоящая кровать Раушенберга, забрызганная краской и поставленная вертикально, а «Монограмма» — чучело барана внутри автомобильной шины.
Джеймс Розенквист — создатель полотен, которые выглядят как коллаж из вырванных из газет изображений.
Клас Олденбург — создатель скульптур-копий реальных объектов. Работы Олденбурга разной величины: от имитаций гамбургеров в масштабе 1:1 до многометровых зубных щеток, веников и огрызков, которые украшают площади городов по всему миру.
Впрочем, поп-арт неправильно обвинять в бессмысленности еще и потому, что он, как и всякое хорошее искусство, анализирует современную ему реальность: в послевоенном мире все казалось тиражируемым и подверженным репродуцированию. А еще банки супа Кэмбелл и другие потребительские товары действительно были главными героями дня, ведь потребление было главным лозунгом Америки того времени.
Собственно, использование образов из СМИ или кино позволяло показать власть медиа над современным обществом (тогда же знаменитый философ Маршалл Маклюэн произнес свое знаменитое «Media is the message», то есть сказал, что каналы коммуникации не являются нейтральными способами передачи информации, а обладают свойствами, которые влияют на человека и общество сами по себе). Чтобы сделать это, художники немного изменяли образы, то есть помещали их в другой контекст, или показывали информационные помехи.
В потакании рынку поп-арт тоже обвиняли. Но только до тех пор, пока Клас Олденбург не сделал свой «Магазин» — энвайромент (то есть «тотальную инсталляцию»), представляющий собой собственно магазин, в котором продавались копии еды и других товаров ежедневного потребления.
Клас Олденбург, скульптура Mistos oldenburgvanbruggen.com
Сделанные из ткани и пропитанные гипсом, эти мороженые, сосиски и рубашки не пытались сойти за настоящих, скорее, они демонстрировали, что искусство — такой же товар, как и все остальное, а значит, можно перестать притворяться и обнажить механизмы общества потребления.
Уорхол тоже говорил о механизмах рынка: «Если ты не можешь его победить — прими его. Вдобавок, если ты полностью сольешься с ним, то у тебя появится возможность выставить его напоказ; можно продемонстрировать его автоматизм и даже аутизм на собственном выразительном примере».
Поп — это любовь, так как поп признает все… Поп подобен разрыву бомбы. Это американская мечта, оптимистичная, щедрая и наивная.
Эти смелые творцы не только покажут нам, словно впервые, мир, который всегда нас окружал, хотя мы его не замечали: они откроют нечто совершенно неслыханное — события и явления, найденные в мусорных баках, полицейских досье и коридорах отелей, увиденные в витринах магазинов и на улицах, пережитые в снах и в несчастных случаях. Запах раздавленной земляники, письмо от друга, билборд с рекламой «Драно», три стука во входную дверь, царапина, вздох или голос, читающий нескончаемую лекцию, мгновенная ослепляющая вспышка, шляпа-котелок — все станет материалом для этого нового конкретного искусства.
Как вы думаете, где придумали поп-арт? Может быть, в США? Ведь Энди Уорхолл, Рой Лихтенштейн, «Кока-Кола» и культура массового потребления – это все оттуда?
А вот и нет! Самое яркое, рекламное и известное направление современного искусства возникло в Великобритании. Как так вышло и почему британцы вдруг решили удариться в массовую культуру – в сегодняшнем выпуске арт-колонки.
Ричард Хамильтон. «Так что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?»
Пятьдесят оттенков серого против Мики-Мауса
Как ни странно, веселый и легкомысленный поп-арт был сыном Второй мировой. Сразу после окончания войны в Британии настали мрачные времена. Страна была истощена и разгромлена, города стояли в руинах. Многое предстояло отстроить с нуля, восстановить сельское хозяйство и наладить торговые связи в изменившемся мире. Великобритания вступила в режим строгой экономии: все деньги шли на восстановление разрушенного. Очень скоро любое проявление роскоши стали считать непатриотичным и вульгарным.
Послевоенное десятилетие в английской жизни – это сплошная непроглядная серость. Почти все фильмы, снятые в то время, были черно-белыми и рассказывали о тягостной жизни бедняков и рабочих, одежду шили простую и непритязательную, а вновь отстроенные дома напоминали тесные коробки. Изобразительное искусство тоже было им под стать: дорогую масляную живопись сменила скупая черно-белая графика.
В то же самое время за океаном жизнь била ключом. Практически не пострадавшие во время войны Соединенные Штаты переживали экономический расцвет. Производство стремительно росло, и вслед за ростом благосостояния начался золотой век американской культуры. Веселые и яркие голливудские фильмы, беззаботные песни о любви, рекламные картинки идеальной жизни в глянцевых журналах. Идеалами этой новой жизни оказались мускулистые красавцы с банкой «Кока-Колы» и их пышногрудые ярко накрашенные спутницы. В сияющем мире глянца самыми влиятельными фигурами стали не политики и бизнесмены, а Элвис Пресли и Мики-Маус.
Не удивительно, что английские интеллектуалы, привыкшие к традиционному высокому и серьезному искусству, отчаянно критиковали «пустую» и «показушную» американскую культуру. Впрочем, не все англичане были такими занудами. Нашлась небольшая группа молодых художников, которые решили дать поп-культуре шанс!
Официальное рождение поп-арта случилось в 1956 году, когда «Независимая группа» провела свою первую выставку в лондонской галерее Whitechapel. Выставка носила футуристичное название This is tomorrow. Но, по правде говоря, почти все представленные на ней экспонаты были родом из настоящего: огромные постеры с пивными банками и спагетти, Мерлин Монро и даже симпатичный робот Робби из только что вышедшего фантастического фильма «Запретная планета».
Главным экспонатом выставки стал коллаж Ричарда Хамильтона под названием «Так что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?». На нем были собраны все главные элементы будущего направления в искусстве: холодные безжизненные дома, как на картинах Хокни, консервные банки, как у Уорхола, комиксы как у Лихтенштейна и полуобнаженная девушка, как у Алена Джоунса. Это был настоящий манифест поп-арта!
Чем же было только что созданное направление в искусстве? На первый взгляд, искусство поп-арта кажется ничем не лучше породившей его массовой культуры – броское, поверхностное и совершенно одномерное. Одни обнаженные тела да рекламные плакаты. Но не тут-то было! Давайте попробуем копнуть глубже.
Например, оказавшаяся в музейном зале фигурка робота из научно-фантастического фильма – это не просто забавная шутка художников. Дело в том, что фильм «Запретная планета», героем которого был робот Робби, — это современная интерпретация драмы Шекспира «Буря». «Пригласив» Робби на выставку, художники таким образом показали, что отныне всерьез стоит воспринимать не только тяжеловесную шекспировскую драму, но и ее осовремененную версию в виде научно-фантастического фильма. Отказавшись от незыблемых постулатов высокого искусства и «бессмертных шедевров», художники уравняли в правах Мондриана и Мики-Мауса. Даже такие вещи, как веселая песня музыканта-однодневки или реклама туфель, не ускользнула от взгляда художников. Произведением искусства стала сама человеческая жизнь.
Больше об искусстве Великобритании – в нашем Телеграм-канале
Ричард Гамильтон родился 24 февраля 1922 года в Лондоне, в одном из рабочих районов. Он был и семьи рабочего, что отразилось на его дальнейшей жизни: уже в 14 лет он работал, чтобы прокормить семью. В детстве Ричард открывает в себе способности к рисунку и начинает посещать вечерние курсы живописи в школе искусств Сент-Мартин. Художник поступает в Королевскую академию изобразительных искусств, а по окончании войны продолжает свое обучение в школе Спейд. Уже после двух лет обучения он начинает выставляться в музее Современного искусства, параллельно работая учителем прикладного рисунка в университете. В первых работах Гамильтона прослеживается влияние Марселя Дюшана и Д’Арси Вентворта, представителей дадаизма и сюрреализма. В это же время Гамильтон выступает с различными докладами и публикациями. Самой значительной является публикация о творчестве Дюшана, изданная в 1960 году, в которую вошли оригинальные заметки Дюшана для проектирования и строительства его знаменитой работы «Голая Невеста и ее Холостяки», также известной как «Большой Стакан». В 1955 году Гамильтон организовывает выставку Man Machine Motion в галерее Хаттон в Ньюкастле. Разработанная так, чтобы больше походить на рекламную демонстрацию, чем на обычную художественную выставку, шоу служило прообразом вклада Гамильтона в выставку «Это — Завтрашний День» в галерее Whitechapel в следующем году.
«Так что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» была создана в 1956 году для каталога «Это — Завтрашний День», в котором она была воспроизведена в черно-белом цвете, а также использовалась для плакатов к выставке. Коллаж изображает мускулистого мужчину, провокационно держащего Тутси Поп, и женщину с большой, обнаженной грудью в шляпе-абажуре, окруженных символами изобилия 1950-х годов от пылесоса до большой банки консервированный ветчины. «Так что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» получила широкое признание в качестве одной из первых работ в стиле поп-арт, и письменное определение Гамильтона того, что такое «поп», заложило основание для всего движения.
«Поп-арт это: популярное, преходящее, расходное, недорогое, серийное, молодое, остроумное, сексуальное, бесполезное, гламурное, и Большой Бизнес».
Такая позиция привлекла внимание либерально настроенной молодежи, как в Британии, так и в США. Его активная позиция, насмешка над общепринятыми консервативными нормами и идеей «идеального» общества, высмеивание устоев того времени воодушевило хиппи США и ЛГБТ-сообщество Британии. В 1960-х годах художник познакомился в Полом Маккартни, разработав обложку и плакаты для альбома Beatles “White Album”. В эти же годы Гамильтон был представлен Роберту Фрейзеру, а после выпустил серию принтов «Подавляющий Лондон», основанную на аресте Фрейзера и Мика Джаггера за хранение наркотиков. В 1970 году лондонская галерея Тейт устраивает первую ретроспективную выставку творчества Гамильтона. Экспонировались 170 его произведений, в числе которых были иллюстрации к роману Джеймса Джойса «Улисс». Особое значение можно придать циклу «Клише мод» 1969 год. Этот цикл представляет собой 12 этюдов, основанных на изображениях популярных манекенщиц, которые выполнены средствами коллажа, эмали и косметики на литографированной бумаге. Это является пародией на стилизованное изображение молодых женщин – привлекательных, но недосягаемых, — которые типичны для некоторых рекламных объявлений.
