Барочная музыка что это
До Баха: что происходило с музыкой в эпоху Ренессанса и раннего барокко — и почему это интересно
История музыки, как и любая другая, создается теми, кто ее пишет. Сегодня, чтобы получить верное представление об искусстве звуков эпохи барокко и Возрождения, следует изменить тип исторического мышления, а не читать музыковедческие трактаты. Ретроспективный взгляд позволяет увидеть разницу между повторяющимися из века в век витками и веяниями нового времени.
До недавних пор было принято считать, что «нашу эру» в музыке открывает Бах. Но подобный «бахоцентризм» царил не всегда — в начале XX века чаще вели отсчет от Бетховена. Оба эти «-центризма» приводили к тому, что в тени оставался значительный корпус музыкальной литературы, который мы открываем в последние десятилетия.
Понятие «старинная музыка» вошло в широкий обиход сравнительно недавно. В конце XIX века потомственный мастер Арнольд Долмеч начал пропагандировать аутентичные музыкальные инструменты, которые он и изготавливал, и игру на них, поскольку значительная их часть к тому времени была модифицирована, а иные и вовсе перестали использоваться.
Многие десятилетия было почти невозможно найти человека, который серьезно занимался бы игрой на клавесине.
Да и понятие «классическая музыка» тогда только-только появлялось.
Одним из первооткрывателей музыки эпохи барокко стал композитор Феликс Мендельсон, который представил Баха широкой общественности. Конечно, в композиторской среде к великому полифонисту Иоганну Себастьяну Баху во все времена относились с должным уважением, но обычному слушателю он казался сложным. Поэтому интерес к его сочинениям возникает только после премьеры «Страстей по Матфею» в 1829 году — спустя 79 лет после смерти композитора.
Открыли Баха — но не его эпоху в целом. Эту задачу предстояло решать уже следующему поколению.
С возвращением аутентичных инструментов стало интересно исполнять на них соответствующую музыку — так с 50-х годов XX века начинают заново открывать композиторов раннего барокко, Возрождения и Средневековья.
Эра музыкального барокко охватывает период с 1600-х по 1750-е годы. Тогда человечество говорило на языке звуков: даже по самым скромным подсчетам, мы можем назвать не менее сорока имен выдающихся композиторов.
Всплеск интереса к такому искусству связан с двумя изменениями. Во-первых, музыка впервые стала основываться на мелодии — был введен так называемый гомофонно-гармонический склад, наиболее привычный для современного слушателя.
До того каноническим считался полифонический склад, где сочетание голосов создает общее музыкальное звучание, — напеть такие произведения почти невозможно.
Вторая причина — освобождение от диктата церкви: теперь стало не обязательно писать мессы, чтобы считаться композитором, — можно было посвятить себя светскому искусству и даже сделаться популярным, а также совершенно свободно заявлять о себе как о сочинителе. В прошлые же эпохи творец выступал как посредник между Богом и землей, и бахвалиться своим авторством было не принято.
Наиболее известные фигуры барокко — Бах, Вивальди, Гендель, Телеман и Пёрселл. Возможно, имя последнего не всплывает в вашей памяти, но его сочинения вы знаете наверняка. Одно из самых популярных — ария заглавной героини из оперы «Дидона и Эней».
Генри Перселл. Ария Дидоны из оперы «Дидона и Эней». Исполняет Патрисия Петибон
Вивальди знаком нам с детства, однако для большинства он остается «автором одного произведения» — «Времен года», которые уже порядочно заезжены. Но помимо этого, композитор оставил след в истории как создатель жанра сольного инструментального концерта. На его счету 253 таких произведения для скрипки, а также концерты для виолончели, виоль д’амур, гобоя, флейты, фагота и мандолины.
Антонио Вивальди. Концерт для фагота с оркестром ми минор
Имя еще одного композитора, родившегося на несколько лет раньше Баха, на слуху исключительно в сочетании с его самым популярным произведением: «Адажио» Альбинони можно было бы сравнить с «Чардашом» Монти, но если в последнем случае насчет авторства сомневаться не приходится, то с Альбинони все не так однозначно. Его первый биограф Ремо Джадзотто реконструировал «Адажио» из набросков в 1958 году, но специалисты подозревают, что он его полностью сочинил, а Альбинони тут вообще ни при чем. Сегодня мы имеем возможность познакомиться с произведениями композитора, подлинность которых сомнений не вызывает.
Сыновья Баха тоже оставили значительный след в музыке, а Карл Филипп Эммануил, кроме всего прочего, написал трактат об игре на клавирах (клавесине, клавикорде и других разновидностях струнно-щипковых клавишных), который остается одним из главных учебников и у современных клавесинистов.
Карл Филипп Эммануил Бах. Фантазия фа-диез минор. Исполняет Юрий Мартынов, хаммерклавир
Немногие знают, что Бибер — это не только Джастин, но и Генрих Игнац Франц — скрипач и композитор. Его произведения интересны, в частности, тем, что в них используется «скордатура» — особая неканоническая настройка скрипки. Этот прием, распространенный в современной академической музыке, уходит корнями в раннее барокко.
Скрипичные сонаты Генриха Игнаца Франца фон Бибера
Еще лет десять назад Жана-Филиппа Рамо и Франсуа Куперена знали только благодаря клавирным произведениям (для клавесина), а в середине прошлого века их играли исключительно на фортепиано. Сегодня оркестровая музыка этих композиторов не менее популярна, чем клавирная.
Жан-Филипп Рамо. Contredanse en Rondeau. Исполняет оркестр Musica Viva под управлением Теодора Курентзиса
Франсуа Куперен. Темная утреня. Третий ноктурн. Исполняют Монтсеррат Фигерас и Мария Кристина Кир
На пару лет раньше Рамо родился Георг Филипп Телеман. Еще полвека назад он был, скорее, «композитором, который жил примерно в одно время с Бахом», а сейчас стал одним из самых популярных авторов эпохи барокко. Отчасти это связано с тем, что по-настоящему «услышать» его музыку можно только при исполнении на аутентичных инструментах — в противном случае она многое теряет.
Георг Филипп Телеман. Чакона. Исполняет ансамбль Nevermind
Георг Филипп Телеман. Фантазии. Исполняет Александра Коренева
Принято считать, что Бах был первым, кто придумал написать цикл из прелюдий и фуг во всех тональностях — знаменитый «Хорошо темперированный клавир». Однако и до него многие композиторы предпринимали подобные попытки. Например, Иоганн Каспар Фердинанд Фишер, автор цикла «Ариадна» (1702) из 20 пар прелюдий и фуг; в названии проведена аналогия между Лабиринтом из мифа об Ариадне и Тесее и блужданием по лабиринту тональностей (числом 19). Знаменитый музыковед Иоганн Маттезон, автор монументального трехтомного трактата, также писал подобные упражнения. В XVI веке такие произведения встречаются у лютнистов, самым известным среди которых является Джакомо Горцанис (24 пары пассамеццо и сальтарелл во всех тональностях).
Раннее барокко звучит ощутимо иначе. Музыка итальянского композитора Джироламо Фрескобальди, с которого позднее брали пример немецкие соседи, была по-итальянски более экспрессивна, а английские вёрджиналисты (Уильям Бёрд, Орландо Гиббонс и Джон Булл) — это и вовсе отдельная история, непохожая на все то, что происходило на континенте. В начале XVII века тональность (как мы ее понимаем сегодня) еще не сформировалась, потому произведения этого периода (и более ранние) воспринимаются на слух как блуждания и не имеют привычной для нас тональной конкретики.
Джироламо Фрескобальди. Токката в соль. Исполняет Магдалена Бачевска
Орландо Гиббонс. Фантазия для шести виол да гамба. Исполняет ансамбль L’Achéron
Джон Булл. Хроматическая фантазия на ут [до] ре ми фа соль ля. Исполняет Роберт Хилл
Уильям Берд. Нынче Джон пришел целовать меня
Но более всего отличились композиторы с Пиренеев, которые пропадают из поля зрения вплоть до XX века, и если не знать об испанской музыке предшествующих двух столетий, то можно подумать, что их искусство родилось вдруг и основано на заимствованиях. Но несмотря на отдаленность от музыкального центра Европы, в этой стране сформировалась самобытная культура, а многие народные танцы, такие, например, как фанданго, впоследствии привлекали внимание композиторов других стран. Один из наиболее популярных барочных авторов — Антонио Солер.
Антонио Солер. Фанданго. Исполняет Ольга Пащенко
Важным достижением эпохи считается создание оперы — жанра, восходящего к древнегреческой трагедии.
Несмотря на то, что обращение к античности — это основная черта искусства Возрождения, год создания одной из первых опер — «Эвридики» (1600) — открывает барочное летоисчисление. Но ее автор Якопо Пери не слишком известен в широких кругах, в отличие от Клаудио Монтеверди, который сочинил своего «Орфея» на тот же сюжет несколькими годами позднее и считается этакой «переходной» фигурой между эпохами, поскольку работал сразу в нескольких стилистиках.
Клаудио Монтеверди. Опера «Орфей». Под управлением Джона Элиота Гардинера
Если с барокко все более или менее понятно, а имена основных композиторов многим знакомы, то с Ренессансом дела обстоят несколько сложнее. В музыке этот период длился два века — с 1400 по 1600 год. Одним из последних композиторов Возрождения, который воспитал целую плеяду учеников, принадлежавших уже эпохе барокко, был Ян Питерсзон Свелинк. Он считается основателем северонемецкой органной школы, хотя родился в Нидерландах.
Ян Свелинк. Моя юность подходит к концу. Исполняет Себастиан Воннер
С музыкой в Голландии эпохи Ренессанса все было довольно неплохо. Кроме Свелинка, мы можем назвать еще несколько имен знаменитых композиторов: Йоханнес Окегем, Гийом Дюфаи, Орландо ди Лассо, Жоскен Депре и Якоп Обрехт. Все они выдающиеся полифонисты, с которых брали пример их ближайшие соседи.
Орландо Лассо. Соловей. Исполняет Юрий Мартынов
Еще один великий фламандец Адриан Вилларт не удовольствовался достижениями соотечественников и основал Венецианскую полифоническую школу — именно здесь придумали разделять привычную полифонию на мелодию и аккомпанемент.
Но этого не случилось бы, если бы не собор Святого Марка — величественное сооружение, простор и акустические возможности которого подтолкнули к новым экспериментам.
Так, например, именно здесь придумали многохорность — разделение общего хора на две отстоящие друг от друга части, с различными, часто перекликающимися партиями.
Джованни Габриели в соборе Святого Марка
Римские полифонисты того же времени отличались от венецианцев бо́льшим консерватизмом. Последние искали новых гармоний и не боялись использовать «острые» созвучия — хроматизмы, в то время как композиторы римской школы стремились к плавности линий и смотрели на своих венецианских товарищей, как сейчас порой смотрят на современную академическую музыку.
Аргументация приверженцев гармоничной «музыки добра» в наше время остается такой же, какой она была в эпоху Ренессанса и предшествующие периоды: отход от привычного звучания критикуется как антиморалистичный.
Однако основатель римской школы — Джованни Палестрина — тоже стал новатором, хотя и невольно. В его времена церковная музыка не пестрила полифоническими сложностями, а сам Палестрина прослыл мастером изящной простоты. Поэтому, когда Тридентский собор в середине XVI века решил провести некоторые реформы в церковной музыке, обратились именно к нему. Задачей композитора было доказать возможность существования многоголосной полифонии в храме, и притом так, чтобы в этом звучании не терялся текст. Пробная месса на шесть голосов удовлетворила заказчиков, и с тех пор в римско-католическом богослужении установилось многоголосие.
Джованни Пьерлуиджи да Палестрина. Месса Папы Марчелло
Даже если перечислить все значимые явления двух эпох, вряд ли получится создать общую картину происходящего: нормализация и общий канон — сомнительные достижения последних веков. Причину сакрализации авторитетных композиторов следует видеть в тесной связи музыки и религии, структуру которой она не могла не перенять. Тем не менее мозаичную историю европейского старинного искусства сложно втиснуть в неестественные для нее иерархические рамки.
Благодаря интересу аутентичных исполнителей сегодня маятник качнулся в другую сторону: открываются новые имена композиторов, восстанавливаются старинные памятники, прочитать которые ранее не представлялось возможным. В настоящее время постепенно происходит осмысление новой картины музыкального мира, привычные правила хорошего вкуса уступают место исторически ориентированным. Следует ожидать, что двухмерный график истории музыки с «первыми и последними» композиторами с течением времени превратится в сферический, а разговоры о большей или меньшей одаренности творцов окончательно уйдут в прошлое.
Хронология академической музыки: Барокко (1600—1750)
Историю академической музыки делят на несколько эпох:
Наверное, лучше использовать выражение «академическая музыка», потому как под классической музыкой можно подразумевать музыку эпохи Классицизма.
Я начну изучение сразу с эпохи Барокко, поскольку музыка Средневековья и Возрождения (Ренессанс) имеет лишь косвенное значение и является только прародителем академической музыки. Более того, ноты, примерно в том виде, в котором ими пользуются музыканты наших дней, сформировались именно в эпоху Барокко около 1700 года.
Давайте же познакомимся с некоторыми видными композиторами того времени.
Клаудио Монтеверди (1567-1643)
Итальянский композитор, один из крупнейших в эпоху перехода от позднего Ренессанса к раннему Барокко (работал и в ренессансной и в барочной стилистике). Наиболее известные сочинения Монтеверди — поздние мадригалы, Плач Ариадны, опера «Орфей» и Вечерня (девы Марии).
Жан Баттист Люлли (1632-1687)
Французский композитор, скрипач, дирижёр. По происхождению итальянец. Люлли вошёл в историю музыки как создатель французской национальной оперы, один из ведущих представителей музыкальной культуры французского барокко.
Антонио Вивальди (1678-1741)
Итальянский композитор, скрипач-виртуоз, педагог, дирижёр, католический священник. Вивальди считается одним из крупнейших представителей итальянского скрипичного искусства XVIII века, при жизни получил широкое признание во всей Европе. Мастер ансамблево-оркестрового концерта — кончерто гроссо, автор около 40 опер. Вивальди в основном известен благодаря своим инструментальным концертам, в особенности для скрипки. Одними из наиболее известных его работ являются четыре скрипичных концерта «Времена года», входящие в состав цикла «Спор гармонии с изобретением». Многие из его композиций написаны для женского музыкального ансамбля «Оспедале делла Пьета», где он (который был рукоположен в сан католического священника) работал в периоды с 1703 по 1715 и с 1723 по 1740. Также имели успех пышные постановки опер Вивальди в Венеции, Мантуе и Вене. После встречи с императором Карлом VI Вивальди переехал в Вену, надеясь на продвижение по службе. Однако император умер вскоре после прибытия Вивальди, а сам композитор скончался менее чем через год в нищете.
Иоганн Себастьян Бах (1685-1750)
Иоганн Себастьян Бах
Музыка барокко
«Любая хорошая музыка должна трогать душу»
Клаудио Монтеверди
Эпохой барокко называют примерно 150 лет с начала XVII до середины XVIII века. Этот период сыграл важнейшую роль в развитии музыки. Именно тогда появились настоящие оркестры, родилась опера, получили развитие многие музыкальные термины и концепции, которые живы и по сей день. Слово «барокко» происходит от португальского barroco — так называли жемчужины неправильной формы. Изначально такой термин использовался только для обозначения пышного архитектурного стиля, но к тому времени, когда ученые стали называть так и музыкальный стиль того времени, он утратил негативный оттенок. Широко использоваться для обозначения музыки, написанной в период между Ренессансом и классической эпохой, термин «барокко» стал лишь в XX веке.
В этот период истинный расцвет переживала не только музыка. В литературе творили Шекспир и Сервантес, в живописи — Рембрандт и Рубенс. В Англии работали такие великие архитекторы, как сэр Кристофер Рен, Николас Хоксмур и сэр Джон Ванбру. Именно в это время трудились Галилей и сэр Исаак Ньютон. Эпоха барокко стала золотым веком искусства и науки.
В барочной музыке, как и в музыке Ренессанса, были широко распространены полифония и контрапункт, но использовались эти приемы совершенно иначе. Вместо переплетенных мелодий в барочной музыке появился солирующий голос или инструмент в сопровождении басового голоса. Монтеверди назвал новую технику, появившуюся в конце XVI века, secondo prattica (второй формой) в отличие от primo prattico (первой формы) Ренессанса. Басовый голос многоголосного сочинения получил название basso continuo (непрерывный бас). В basso continuo имелись свои аккорды, которые обозначались цифрами. Сочетание сольного пения с аккомпанементом basso continuo стали называть «монодией» (от греческого слова, обозначающего пение в одиночку).
Между музыкой барокко и Ренессанса существуют и другие различия. В эпоху барокко музыку часто писали певцы и музыканты-виртуозы, поэтому она была очень сложна для исполнения. В барочной музыке широко использовались «украшения» — часто они были импровизацией исполнителя. Музыкальные инструменты стали играть более важную роль. Традиция пения a cappella («в церковной манере»), то есть без инструментального аккомпанемента, начала постепенно уходить в прошлое.
В результате развития монодии появилась опера. Такой метод пения позволял слушателям четко слышать текст, исполняемый певцом-солистом в сопровождении музыкальных инструментов. Солисты получили возможность драматически интерпретировать музыку. Считается, что опера появилась благодаря флорентийской камерате — кружку любителей музыки, поэтов, ученых-гуманистов и профессиональных музыкантов. Эта группа возникла в конце XVI века.
Флорентийская камерата собиралась в доме графа Джованни де Барди. В нее входили композиторы Джулио Каччини и Якопо Пери, а также поэт Оттавио Ринуччини. Все они живо интересовались античным искусством и особенно древнегреческой музыкальной драмой. Результатом совместной работы Каччини, Пери и Ринуччини стала первая настоящая опера «Дафна» (1598). В 1600 году они же сочинили оперу «Эвридика».
Клаудио Монтеверди полагал, что сочетание музыкальной гармонии и текста должно широко использоваться в светской музыке. Он стал одним из самых заметных композиторов своего поколения. В 1607 году он написал оперу «Орфей». «Орфей» послужил важной вехой в истории развития новой музыкальной школы — в этой опере были прекрасно продемонстрированы новые эффекты и приемы.
Для постановки оперы требовалась сцена. В эпоху барокко появились первые залы, построенные специально для этой цели. Первый публичный оперный театр открылся в Венеции в 1638 году. Такие же театры вскоре появились во многих крупных европейских городах. Стоимость постановок была очень высока — требовались декорации, костюмы, спецэффекты. Неудивительно, что билеты стоили очень дорого (некоторые вещи никогда не меняются!) и опера считалась развлечением для элиты.
Светский характер оперы нравился не всем. Католическая церковь не принимала светской музыки, и во время религиозных праздников и постов оперы часто запрещали. Параллельно с оперой развивалась и религиозная музыка в стиле барокко — оратория. К концу эпохи барокко развитие этого жанра достигло апогея. Именно тогда появились «Мессия» Генделя и великолепная оратория «Сотворение мира» Гайдна.
Эпоха барокко дала нам не только оперу, но и оркестр. В этот период активно развивались музыкальные инструменты. Многие известные композиторы и музыканты этого времени работали при королевских дворах Европы и в аристократических семействах. При дворах существовали небольшие музыкальные ансамбли, исполнявшие новые сочинения. Эпоха барокко — период расцвета камерной музыки. Особую популярность приобретали различные музыкальные инструменты, в первую очередь скрипка. Но для исполнения опер небольших ансамблей было мало. Так появились оркестры.
К середине XVIII века сложность и богатство барочной музыки стали терять популярность. В истории музыки начался новый этап — классицизм.
Арканджело Корелли
Арканджело Корелли, которого современники прозвали Il Divino (Божественный), родился 17 февраля 1653 года в Фузиньяно, близ Болоньи. Он был не только композитором, но и известным скрипачом. Известность к этому итальянскому музыканту пришла в Париже в 1672 году. Хотя мы мало знаем о его юности, известно, что искусству игры на скрипке он учился у Джованни Баттисты Бассани, а композиции — у Маттео Симонелли.
Из Франции Корелли отправился в Германию, где с 1681 года работал при дворе курфюрста Баварии. Через несколько лет он вернулся в Италию. С 1685 по 1689 год Корелли жил в Риме под покровительством изгнанной шведской королевы Кристины и кардинала Пьетро Оттобони, племянника будущего папы римского Александра VIII, избранного на престол в 1689 году. С 1689 по 1690 год Корелли пребывал в Модене, где пользовался покровительством герцога Моденского. Остаток жизни композитор провел в Италии. В 1708 году он отправился в Рим, а затем в Неаполь.
«Имя Арканджело Корелли всегда будет занимать первое место в истории кончерто гроссо». Из книги «История музыки. Том 2: Ренессанс и барокко»
Корелли занимался не только композицией. Он дирижировал исполнением опер, ораторий и других масштабных произведений. В Италии под его руководством исполняли произведения Генделя. Оратория Генделя «Триумф Времени и Разочарования» была впервые исполнена в Риме в 1708 году.
Стиль исполнения Корелли сыграл важнейшую роль в развитии скрипичного искусства. Говорят, что пути всех знаменитых композиторов-скрипачей XVIII века ведут к Арканджело Корелли. Но Корелли использовал малую часть возможностей своего инструмента. Это очевидно по его рукописям: скрипичные партии у него очень редко поднимаются выше ре на первой струне, иногда достигая ми в четвертой позиции. Однажды Корелли отказался играть в увертюре Генделя «Триумф Времени и Разочарования» пассаж, достигавший ля, и глубоко оскорбился, когда композитор, который был моложе его на 32 года, с блеском сыграл эту ноту. Тем не менее, Корелли повлиял не только на итальянских композиторов. Его сочинения изучал Иоганн Себастьян Бах — в 1689 году он написал фугу для органа (BWV 579) на основе опуса 3 Корелли.
Многим обязано Корелли и музыкальное общество Рима. Корелли был вхож в самые высокие аристократические круги. Долгое время он устраивал знаменитые понедельничные концерты во дворце кардинала Оттобони. Будучи скрипачом-виртуозом, Корелли внес огромный вклад в развитие современной техники использования смычка и одним из первых использовал эффект двойных нот. Его сочинения поражают удивительной мелодичностью и искусностью аккомпанемента. Справедливо говорят, что он освободил музыку от строгих правил контрапункта.
Корелли умер 8 января 1713 года, оставив после себя значительное состояние и прекрасную коллекцию произведений искусства. Он похоронен в римском Пантеоне.
Корелли: скрипач-виртуоз, мастер «двойных нот»
Корелли был скрипачом-виртуозом. Его считают создателем приема «двойных нот» — когда две ноты играются одновременно. Именно ему мы обязаны разработкой современной техники использования смычка. Применяя этот прием, скрипач пальцами зажимает две отдельные струны и играет на них смычком одновременно, не переходя от струны к струне.
В книге Сесила Форсайта «Оркестровка» (Macmillan, 1914, репринт Dover, 1982) изобретение двойных нот приписывается итальянскому композитору, дирижеру и скрипачу эпохи барокко Карло Фарине. Его «Экстравагантное каприччио» (1627) было опубликовано в Дрездене, когда Фарина был скрипачом при саксонском дворе.
На сайте для скрипачей новичков предупреждают о том, что исполнять двойные ноты гораздо сложнее, чем обычные, поскольку нужно точно располагать два пальца на двух струнах одновременно. «Иногда приходится переходить в более высокую позицию, чтобы можно было физически расположить пальцы в нужных местах. Двойными нотами называют также одновременную игру на трех или всех четырех нотах, хотя было бы правильнее назвать такие приемы тройными или четверными».
Скрипач и писатель Клейтон Хэслоп (violinmastery.com) указывает, что исполнение двойных нот требует терпения и дисциплины, «даже готовности терпеть определенный дискомфорт, напоминающий артритные боли». Но наградой исполнителю будет «великолепное и почти уникальное для мира музыки звучание».
«Главная проблема — полностью контролировать руки и слух, — пишет Хэслоп. — Тогда двойные ноты будут красивыми и простыми для исполнителя. И все же это довольно сложный прием — вот почему педагоги пишут массу этюдов для отработки этой техники. Дам вам пару небольших советов. И первый: не следует сильно зажимать струны пальцами; играйте с минимально возможным давлением. Я даже не прижимаю струны к грифу, если не нужно играть фортиссимо».
Генри Перселл
Генри Перселл был сыном придворного музыканта, хориста королевской капеллы. Его отец пел на коронации короля Карла II. Точная дата рождения Перселла неизвестна, но считается, что он появился на свет 11 сентября 1659 года в Лондоне. С 1664 года после смерти отца Генри опекал его дядя, тоже хорист Королевской капеллы. Со временем он добился такого же права для племянника.
Перселл учился музыке у Генри Кука, а затем у Пелэма Хамфри. До ломки голоса он пел в хоре, но в 1673 году с пением пришлось расстаться. Тогда Генри назначили помощником Джона Хингсто- на, хранителя музыкальных инструментов короля. После смерти Хамфри в 1674 году Генри продолжил учебу у Джона Блоу и поступил в Вестминстерскую школу. В 1677 году Перселл сменил Мэтью Локка на посту композитора для королевских скрипок. В 1679 году он стал органистом Вестминстерского аббатства после своего учителя Джон Блоу, а через три года сменил Эдварда Лоу в должности органиста королевской капеллы.
Считается, что сочинять музыку Перселл стал в очень раннем возрасте, хотя первое достоверно принадлежащее ему сочинение — это ода, написанная в 1670 году в честь дня рождения короля Карла. В 70-е годы XVII века Перселл много сочинял и для церкви, и для театра — в частности, музыку к «Феодосию» и «Добродетельной жене». Но, став органистом Вестминстерского аббатства, Перселл практически полностью сосредоточился на религиозной музыке, предав анафеме свой прежний интерес к театру.
«Музыка — это ликование поэзии. Оба искусства могут существовать отдельно, но в слиянии своем они достигают совершенства, поскольку ни одно не стремится превзойти другое; они подобны остроумию и красоте, соединившимся в одном человеке». Вступление к «Диоклетиану», 1690
В 1682 году Перселл женился. У него было шестеро детей, но четверо умерли в младенчестве. В то же 1682 году он стал органистом королевской капеллы, оставаясь при этом органистом Вестминстерского аббатства. Он писал музыку для торжественных государственных церемоний — в том числе для коронации короля Якова II в 1685 году. Именно тогда он сочинил два своих самых известных гимна «Возрадовался я» (I Was Glad) и «Излилось из сердца моего слово благое» (My Heart Inditing). Перселл написал музыку для похорон королевы Марии в декабре 1694 года.
В конце 80-х годов XVII века он снова вернулся к крупномасштабной светской музыке. В 1689 году Перселл создал оперу «Дидона и Эней», которая считается одной из первых английских опер. После этого он продолжал сочинять и светскую, и религиозную музыку. В период с 1689 по 1695 год им была написана музыка не менее чем к 42 пьесам.
Генри Перселл умер 21 ноября 1695 года в своем доме в Динз-Ярд в Вестминстере. На его похоронах звучала музыка, написанная для погребения королевы Марии. Могила Перселла находится в Вестминстерском аббатстве, рядом с органом.
«Здесь лежит Генри Перселл, который покинул этот мир и ушел в то блаженное место, где его гармония может быть превзойдена». Эпитафия Перселла в Вестминстерском аббатстве
Антонио Лючио Вивальди
Антонио Лючио Вивальди родился в Венеции 4 марта 1678 года. Он был рыжим, отсюда и его прозвище — Il Prete Rosso, «рыжий священник». Самое популярное сегодня его произведение — «Четыре времени года», четыре скрипичных концерта, написанных в 1723 году, когда Вивальди жил в Риме. Опубликованы эти концерты были два года спустя. Антонио Вивальди, одареннейший скрипач, еще до завершения духовного образования считался настоящим виртуозом.
Отец Антонио, Джованни, был цирюльником, а затем стал профессиональным скрипачом. Это он первым начал учить сына музыке. Джованни являлся также одним из основателей Общества взаимопомощи музыкантов Санта-Чечилия. Президентом общества был Джованни Легренци, музыкант венецианского собора Святого Марка. Вполне возможно, что это он обучал юного Вивальди основам композиции.
В сентябре 1703 года Вивальди был назначен скрипичным мастером венецианской консерватории Оспедале делла Пьета — одного из множества сиротских приютов, где мальчиков обучали ремеслам, а девочек — музыке. Здесь принимали брошенных, но одаренных девочек. Под руководством Вивальди музыкальная репутация консерватории значительно повысилась.
Вивальди работал в консерватории около 30 лет, хотя и не постоянно, поскольку его должность подлежала ежегодной аттестации. В 1709 году он не был избран и целый год пропустил.
В этой консерватории Вивальди написал самые свои известные произведения. В 1716 году он стал музыкальным директором консерватории. Сочинять Вивальди начал в первой декаде XVIII века, но известность в Европе ему принесли двенадцать скрипичных концертов «Гармоническое вдохновение», которые были впервые опубликованы в 1711 году. Вивальди посвятил свои концерты великому герцогу Тосканы Фердинанду III. Фердинанд, известный меценат, очень любил музыку и покровительствовал композиторам, в том числе и Генделю.
Работая в консерватории, Вивальди писал преимущественно религиозную музыку, но сочинял и для венецианской оперы. В то время опера была одним из самых популярных развлечений. Вивальди создавал оперы — его опера «Оттон на вилле» была впервые поставлена в Виченце в 1713 году. Кроме того, он являлся одаренным импресарио и в 1714 году стал сотрудничать с театром Сант-Анджело. За операми Вивальди не забывал и о религиозной музыке. В 1716 году он написал ораторию «Юдифь торжествующая» (Juditha Triumphans) — поводом послужила победа Венеции над турками и возвращение острова Корфу.
В 1717 или 1718 году Вивальди стал придворным музыкантом правителя Мантуи, маркграфа Филиппа фон Гессен-Дармштадтского. За три года, проведенных в Мантуе, он сочинил несколько опер. В 1721 и 1722 годах он побывал в Милане, а в конце 1722 года переехал в Рим. Именно тогда он написал свое самое известное произведение «Четыре времени года» (Le quattro stagioni). Эти концерты были впервые опубликованы в 1725 году — тогда же Вивальди вернулся в Венецию.
«Вивальди блестяще сыграл сольную партию и в заключение добавил вольную фантазию, которая меня совершенно поразила, поскольку трудно было представить, чтобы кто-либо еще мог сыграть нечто подобное». Иоганн Арманд фон Уффенбах
В Милане Вивальди встретился с молодой певицей Анной Тесьери Жиро, которая стала его ученицей. Хотя никаких доказательств связи между ними не было, слухи о романтических отношениях между певицей и священником преследовали Вивальди до конца жизни.
По мере того как слава Вивальди росла, он стал путешествовать по Европе. В 1730 году он посетил Вену и Прагу, где состоялась премьера его оперы «Фарнак». В 1740 году Вивальди стал придворным музыкантом у императора Карла VI. Последние годы жизни, проведенные преимущественно в Вене, были омрачены болезнями (по-видимому, Вивальди страдал астмой) и финансовыми проблемами, которые усугубились после смерти Карла VI и падения популярности венецианской оперы. Вивальди ненамного пережил своего покровителя. Он скончался в ночь с 27 на 28 июля 1741 года в доме вдовы венского седельного мастера. Отпевание состоялось в соборе Святого Стефана, где среди хористов был юный Йозеф Гайдн. Похоронен Вивальди на кладбище церкви Святого Георгия.
Георг Фридрих Гендель
Георг Фридрих Гендель родился в Германии 23 февраля 1685 года, но большую часть жизни провел в Британии. Его по праву можно назвать самым крупным английским композитором XVIII века. В Англии он жил с 1710 года и самые знаменитые свои произведения написал именно здесь — и на английском языке. В 1727 году он принял британское гражданство. Гендель умер в Лондоне в 1759 году и был похоронен в Вестминстерском аббатстве.
Гендель родился в Галле, когда этот город относился к герцогству Магдебургскому. Отец его был цирюльником и хирургом. Первоначально интерес мальчика к музыке не вызвал энтузиазма у родных, но, убедившись в таланте сына, отец разрешил ему учиться музыке у органиста Мариенкирхе Фридриха Вильгельма Захова. Известность Генделя быстро росла. В 1698 году он играл в Берлине перед королем Фридрихом I. В 1702 году по желанию отца он начал изучать юриспруденцию в университете Галле, но в то же время занял должность органиста в городском соборе. Впрочем, прослужил он там лишь год, поскольку в 1703 году переехал в Гамбург и поступил в оркестр оперного театра.
В Гамбурге в 1705 году он сочинил свои первые крупные работы — оперы «Альмира» и «Нерон». В следующем году он получил приглашение от члена семейства Медичи и переехал во Флоренцию, а оттуда в Рим. Когда в Риме опера была запрещена, Гендель переключился на религиозную музыку — именно тогда он сочинил псалом Dixit Dominus.
И все же Гендель продолжал сочинять оперы, которые с большим успехом исполнялись во Флоренции и Венеции. В 1710 году он стал капельмейстером при дворе курфюрста Ганноверского Георга. Этот пост сыграл важную роль в карьере Генделя по двум причинам. Во-первых, он смог много путешествовать и впервые посетил Британию. (Возможно, длительные вояжи раздражали покровителя музыканта. Предполагается, что «Музыка на воде» была написана в 1717 году в знак примирения.) Во-вторых, в 1714 году Георг взошел на престол Соединенного Королевства, и это ввело Генделя в британскую культурную среду. Гендель писал много музыки для государственных церемоний, в том числе для коронации короля Георга II в 1727 году. Тогда впервые прозвучал гимн «Садок-священник», который теперь исполняется при коронации каждого британского монарха.
«Гендель — величайший композитор из когда-либо живших. Мне хотелось бы обнажить голову и преклонить колени пред его могилой». Людвиг ван Бетховен
Не ограничиваясь одними лишь официальными заказами, Гендель не переставал писать музыку и для театра. Кроме того, он оказался весьма хитроумным инвестором. Он оказался одним из немногих, кто сумел заработать на «мыльном пузыре» Южных морей: Гендель забрал деньги до крупнейшего финансового краха. Гендель занимал посты в Королевской академии музыки, Королевском театре и театре Ковент-Гарден. Но к середине 30-х годов XVIII века мода на итальянскую оперу, которую популяризировал Гендель, прошла. Здоровье композитора ухудшалось. И с 1737 года он обратился к новому для Англии жанру оратории. Лучшим образцом жанра стала оратория «Мессия», которая была впервые исполнена в Дублине 13 апреля 1742 года.
В 40-е годы XVIII века Гендель продолжал работать. К этому периоду относится такое замечательное произведение, как «Музыка для королевского фейерверка». Но в августе 1750 года, возвращаясь в Британию из Германии, Гендель серьезно пострадал, когда его карета перевернулась. В следующем году у него начало стремительно портиться зрение. Несмотря ни на что, он продолжал писать музыку. Последнюю великую ораторию «Иевфай» Гендель закончил в 1752 году.
Гендель умер 14 апреля 1759 года. Он был не женат и не имел детей. Все свое огромное состояние в 20 тысяч фунтов стерлингов он завещал племяннице, жившей в Германии.
Иоганн Себастьян Бах
В наши дни Иоганн Себастьян Бах считается одним из величайших композиторов эпохи позднего барокко. Для современников же он был всего лишь органистом, слава которого в области композиции заметно уступала славе его сыновей. Но в конце XVIII века его творчество было открыто заново, и сегодня мы причисляем его к числу самых значимых композиторов первой половины века.
Бах родился 31 марта 1685 года в немецком городе Айзенахе в семье капельмейстера Иоганна Амброзиуса Баха и Марии Елизаветы Леммерхирт. В 1684 году умерла его мать, а в следующем году — и отец, который начал учить сына игре на скрипке и клавесине. Юный Бах переехал к старшему брату, Иоганну Кристофу, который к этому времени уже был органистом церкви Святого Михаила в Ордруфе. Брат научил Иоганна Себастьяна играть на органе. В возрасте четырнадцати лет Бах получил стипендию в весьма престижной школе Святого Михаила в Люнеберге и проучился там два года. Помимо музыки, Бах изучал языки и другие предметы. В школе он познакомился с сыновьями известных семейств северной Германии.
Какое-то время Бах работал придворным музыкантом капеллы герцога Веймарского Иоганна Эрнста, а в августе 1703 года стал органистом церкви Святого Бонифация в Арнштадте. Именно здесь Бах начал сочинять музыку, хотя пребывание в Арнштадте не было безоблачным. Он без разрешения уехал за 250 миль в Любек, чтобы посетить органиста Дитриха Букстехуде, а в августе 1705 года едва не устроил дуэль со студентом. В 1707 году Бах решил покинуть довольно комфортное место и занять должность органиста церкви Святого Власия в Мюльхаузене. В Мюльхаузене же Бах женился на своей кузине Марии Барбаре Бах. У них было семеро детей. Двое — Вильгельм Фридеман и Карл Филипп — стали композиторами, и слава их в то время превзошла славу отца.
Хотя в Мюльхаузене Бах руководил постройкой нового органа, в этом городе он провел всего год. В 1708 году он стал органистом и капельмейстером при дворе герцога Веймарского. Карьера Баха в Веймаре складывалась вполне успешно. Он сочинял музыку для клавесина, органа и оркестра. Но со временем Бах вышел из фавора и в 1717 году уволился, перед этим проведя месяц в тюрьме.
Из Веймара Бах переехал в Кетен, где получил должность капельмейстера при дворе князя Леопольда Ангальт-Кетенского. В Кетене Бах провел шесть лет. Князь Леопольд был кальвинистом, поэтому большая часть сочинений Баха того времени носила светский характер. В 1721 году он написал знаменитые «Бранденбургские концерты».
«Конечной целью и причиной всякой музыки должно быть только прославление Господа и укрепление духа». Иоганн Себастьян Бах
В 1720 году в Кетене умерла первая жена Баха. В 1721 году он женился повторно. Анна Магдалена Вильке родила ему тринадцать детей, причем трое из них стали известными музыкантами.
После смерти князя Леопольда Бах в 1723 году переехал в Лейпциг, где стал кантором школы Святого Фомы. В Лейпциге Бах написал большую часть своих кантат. В 1724 году состоялась премьера его «Страстей по Иоанну», а в 1729 году — «Страстей по Матфею». В марте 1729 года Бах стал директором Музыкальной коллегии. Этот ансамбль, созданный в 1701 году, специализировался на исполнении светской музыки. В 1733 году Бах написал Kyrie и Gloria. Позже эти произведения стали частями мессы си минор, работу над которой композитор завершил лишь в следующем десятилетии. Рукопись он преподнес курфюрсту Саксонии и королю Польши Августу III, когда пытался стать придворным композитором, что ему и удалось.
В 1746 году зрение Баха резко ухудшилось. В следующем году он побывал в Потсдаме, где его сын Карл Филипп Эммануэль работал при дворе Фридриха Великого. В Потсдаме Бах играл для короля. Одна из импровизаций, исполненная в то время, позже стала «Музыкальным приношением». Вернувшись в Лейпциг, Бах продолжил работу над своим последним шедевром, циклом «Искусство фуги», который так и остался незавершенным. Бах умер 28 июля 1750 года после неудачной операции на глазах, проведенной известным британским хирургом Джоном Тейлором.